高級音樂表演指導
高級音樂表演指導
Alberto Cobo
阿爾貝托·科博
這個主題的巨大差距對於音樂教育和未來音樂會表演者以及高水平音樂家的方法非常重要，這促使我寫這本小而綜合的新書。 我的願望是，它標誌著鋼琴歷史的一個前後，因為我在這裡（以及我的博客中）討論的許多主題要么是禁忌，要么被隱藏在人們和音樂家的錯誤信息中（有些人以此為生，甚至不知道平均值）。 因此，必須開啟一個新時代，在這個時代中，音樂家的衡量標準是他們的成就，而不是不誠實的虐待、作弊、抵制、偷竊、抄襲、拙劣的工作和廉價的政治活動。
面向高級音樂表演。 幫助表演者、音樂會藝術家或獨奏家在接受高水平樂器演奏家培訓時，在這些天才級別的音樂創作中接近音樂作品，盡可能接近作曲家的想法並向聽眾闡明所揭示的信息的關鍵。
反過來，這些指南/基礎可以作為寫作的範例和幫助。
1- 分析手稿、版本和“Ürtext”版本，因為這些版本認可長期的實驗工作並且通常由專家進行；
2-音樂作品分析。 形式或結構、和聲、樂句、踏板、tessituras、書面音符、紋理和聲音、編寫的樂器、動態；
3- 節奏或動作取決於版本，以及這在解釋和執行技術中意味著什麼；
4- 高階音樂語言的應用。 Rubatos、節奏、轉調、音樂現象學、節拍或方向/標記、節奏和速度的變化。 顫音及其開頭和解析取決於作曲家的風格、美學時期的內涵、裝飾音（apoyaturas、簡單或複合 mordents）。
5- 選集版本的研究（如果有）；
6- 學習方法學院。 正確學習作品並乾淨無誤地演奏音符的有效程序。 避免打結、出不來的通道和卡住的技巧，消除粗糙、醜陋和生硬的聲音。
7- 鋼琴技術及其演進。 練習。 精湛技藝。 速度學院。
8- 在不同階段規劃專案並克服障礙；
9-熟悉作曲家、他的作品（研究數量最多、執行程度最高的作品）、他的風格以及歷史地點及其影響。
10-記憶和分期。
· 1- 關於“Ürtext”版本（完全尊重作者所寫內容並對其進行研究和分析的音樂學作品）的手稿、版本和樂譜的分析 - 因為這些版本認可長期的實驗工作並且通常進行通過專家的幫助，我們找到了每一位值得稱道的偉大口譯員的最初基礎。
這些文件通常在圖書館中，或者如果它們是非常重要的作品，則可能有實體或所述圖書館的網頁，其中它們以照片、縮微膠卷、影印件或傳真的形式發布。
經過專家審查的“Ürtext”版本的樂譜對於這位偉大的音樂會鋼琴家來說也是一筆財富，他在其中發現了一部已經完成的精彩作品，並且應該已經被研究和演奏過。 因此，樂譜文件的處理要忠於作曲家的想法，並在編輯和解讀時盡可能嚴格和完美。 如果真的有興趣誠實地看待歷史上眾多音樂天才的音樂，那麼這種蔑視將是瘋狂的。
當發現疑問時，通常會在附錄或頁面下方的註釋中進行澄清。 此外，根據批評編輯的水平，可以包括關鍵指法來指導其執行、風格甚至所需的技術。
學者註意細節，例如：
- 運動和/或節拍指示；
- 細微差別、重音、調節器以及漸強或減弱的跡象；
- 註釋的連字和分組；
- 不同類型的裝飾和修飾、斷奏、斷奏和任何其他標點符號、用於表達音樂情感的音樂術語、小或簡短的音符、亮度；
- Tessituras、聲音規劃及其在樂譜中的安排；
- 踏板指示（對於鋼琴）；
- 樂譜的美學和整體願景（通常決定作曲家最終決定的程度，更大的整潔度通常意味著更具體的想法，並且更有興趣面向最終出版）；
- 指法說明。
- 編輯樂譜的完美之處在於它不包含劃掉的內容。 對手稿、版本和文本版本的分析，因為這些版本認可長期的實驗工作並且通常由專家進行； 沒有錯誤（主要是錯誤的音符和和聲失敗，更不用說扭曲創作者意願的附件或更改）。
總而言之，這些來自專門的“Urtext”版本、手稿、圖書館來源和描述這些樂譜特徵的文檔的材料，對於音樂詮釋大師、有抱負的學生，甚至對尋求真實歷史和藝術感興趣的業餘愛好者來說，都是不可或缺的。 。
· 2- 關於音樂作品的分析，我們主要感興趣的是流派、形式或結構、和聲、複調、節奏、樂句、踏板、tessituras、書面音符、織體和聲音、作品所用的樂器樂譜、力度、持續時間、技術難度（最常用的技術元素及其指法、執行速度、跳躍）、天才等級和原創性。
也許最引人注目的方面首先是節奏、指法、和聲、聲音以及技術難度。
雖然通常音樂學院的分析往往只是和聲、和聲的聯繫以及根據最低音符的和弦排列，但為了理解作品，必須考慮作品中出現的一切有利於解釋/分析的內容。考慮到。，因為音樂往往由細節組成。
另一種表達方式是思考作者提出了哪些資源，他想要記住什麼來對作品進行建模，以及他能夠記住什麼作為可利用的元素，從一個角度看待它們提供一種遊戲的想法，有效，有吸引力，富有表現力，或在潛意識中產生特殊效果的感覺。
從實踐的角度來看，鋼琴家常常會計算自己的思想去計算某首作品可能需要付出多少體力和腦力的努力，才能更接近其理想的詮釋。 因此，考慮到作曲家所擁有的所謂能力，無論是從創作還是樂器的角度來看，我們都會看到他希望在作品中插入/反映多少改進能力和藝術野心。
關於質感和聲音，我們必須記住作者所基於的樂器，以及人類可以實現的性能 - 始終以最大可能性（處於最佳狀態的最佳樂器）來看待他們的技能或執行力（如何實現更大的音樂現象學），以及精神和精神運動能力。
在最偉大的天才的傑作中，你還可以發現隱藏在音符和符號中的信息、思想或想法，我們說它們「神奇地」有可能直觀地顯現出來，從深刻的思想到人文、超驗、熱情、親密、旺盛以及很長的等等想法幾乎與我們在其他藝術中可以找到的相同，但以一種更抽象的方式，因為音樂本身沒有物質表徵，而是純粹的聲音。
至於天才和原創性的水平，它引起了人們對為音色開發和聲音表現而選擇的主題的關注。
· 3- 節奏或動作取決於版本，以及這在解釋和執行技術中意味著什麼。
偉大的詮釋者的目的和目標是在音樂抽象和藝術範圍內給出盡可能具體的信息，當然，這對作曲家來說是公正的，是一個很好的展示，令人信服，基於嚴謹，並且突出作品的品質、精湛技藝和天才（如果適用）。
這就是為什麼確定整體速度以及樂譜的每個特定部分或樂段的速度的微妙性可能成為高超的解釋中最相關的問題。
有時我們會發現運動的變化，可以用諸如 accelerando、ritenuto、rallentando 或 ritardando 等術語很好地表達，或者指示的變化，例如 un poco piu mosso [ mosso：移動，移動； 在 più 或 meno 前面使用，分別表示更快或更慢]、空氣的變化或節拍器的變化，這需要研究如何吸收這些變化並賦予工作統一性和連續性。 通常它們是那些變化，作品結構中的括號，然後返回到原始或初始節奏，在策略性計算的地方進行一些小的變化，或者通過添加一些註釋或裝飾，或者簡單地標點符號或細微差別，以便它是o它結果有點不同，並不像再次“粘貼”初始片段那麼簡單。
因此，我們在節奏及其變體中發現了作品的衝動，是帶出作者最初思想和意圖的關鍵，是進行真誠、深思熟慮、經過深思熟慮、有分寸的解釋的萬能鑰匙。 也許是解釋中最個人和最重要的方面。
· 4- 高級音樂語言在作曲中的應用，包括自由節奏、節奏、轉調、音樂現象、節拍或方向/標記、節奏和速度的變化。 顫音，其開頭和結尾取決於作曲家的風格。 審美時期的內涵，裝飾音符（apoyaturas，簡單或複合mordents）。
音樂語言也被理解為在用樂器發出聲音之前思考聲音，在腦海中歌唱，因為物理/技術實現將包括對所需聲音的物質搜尋。
Rubatos 在樂譜中不會多次以圖形方式表示，除非作曲家以術語“rubato”表示。
這透過加快和減慢節奏來改變某些片段或段落的值或速度。
“魯巴託不受規則約束，取決於作品詮釋者的品味。” 例如，在蕭邦的鋼琴作品中，我們發現了兩種類型的自由節奏。 第一個，就是上面提到的那個，第二個自由節奏改變右手的動作，而左手、節奏或伴奏則保持原始狀態，不受影響。
再說一個有趣的事實。 在作品《勞拉和唐·貢薩洛》（我認為是拉蒙·卡尼塞的作品）中，這是一部四幕情節劇，在一個場景中，樂隊以3/4 樂章登台，而管弦樂團同時繼續其節奏6 /8，兩者的節奏都被精確地調整，但顯然兩種音樂個性（三元節奏加二元節奏在一起）有很好的區別，這產生了一種具有驚人效果的獨特解釋方法。
在我那個時代，「視唱練耳」最被接受的定義是：測量和吟唱的藝術。 然後，節拍的大小和它所包含的節奏，加上聲音的調音和表達它們的方式，所有這些都包含在管理和交流它的掌握中，最終為我們帶來了音樂語言。 一種講述情感、故事、打開新世界的方式，也許會使用我們大腦半球和潛意識的一部分或幾個部分，否則它們將是惰性的，或者它甚至可能激勵我們身體的所有細胞變得更特別。完整或從而豐富我們的存在、生命願景和世界/宇宙。
關於顫音和裝飾音，根據時期和作曲家的不同，有不同的規則理論。
因此，編輯後的樂譜中所寫的一切被認為忠於作曲家意願的內容都是音樂語言。 使用的每個標誌在老師手中都意味著一些東西，它揭示了很多東西。 解釋它就是賦予這些文件生命，遵循這些指導方針，並用大量的工作時間、數月、數年，甚至一生來表現它們，將它們轉化為一個有序的聲音展覽，盡可能地達到偉大的目的天才作曲家的觀點，並與大眾聯繫/傳達相應的看法。
在節奏中建立休息點以形成長樂句，或有時是連續性的節奏，但需要在心理上充分分析並作為支持，也是高水準音樂詮釋的關鍵。
同樣地，深入研究作品的形式及其發展中的轉調，對於記憶、理解和解釋的執行有很大幫助。
「音樂現象學」——由大師塞里比達克創造的術語——被理解為樂句的聲音振盪及其音域從低到高的調音思想，也是偉大詮釋中不可避免的一部分。 實際上，這可以被認為是表演或演奏音樂，並且在發出音樂之前思考音樂很有幫助，就好像您在唱歌/調音一樣。
指南針的測量或方向/標記本身就是一門藝術。 我們在管弦樂方向上找到了證明。 獨奏樂器演奏家同時也是音樂總監。 他如何應用音樂語言、羅盤的測量及其所有曲折，將音樂變成作曲家思想的純粹表達——通常以抽象的方式吸收所有這些——引導我們走向那些遙遠的世界/宇宙，它們的秘密輸入我們這裡有您的一把主鑰匙。
· 5- 在古典音樂的世界裡，偉大的作曲家很難不被蓋死，因為他們的作品被認為是不朽的、不朽的和普遍的，他們沒有國界，他們的信息無一例外地傳達給所有人。
於是，透過詮釋來“演繹”，向這些作品及其創作者致敬，成為每個人的偉大願望、征服的高峰。 如果我們冷靜地思考的話，這是給人類的禮物。
我們在許多錄音案例中找到了這一點的證據，因為音樂會是為少數有幸和特權參加的人舉辦的。
因此，這些錄音是研究選集版本的靈丹妙藥，如果有的話，或者如果它們被發現的話，因為有時這些錄音會在不知道如何的情況下消失。
我所說的選集版本是指表演者、他的樂器和錄音滿足足夠要求的版本，可以向聽眾傳遞真正揭示和莊嚴古典音樂崇高藝術的方法。
只有在錄音中收集的聲音中，偉大的表演者才能感知一切。 奇蹟般地，一切都被聽到，成為智慧的綱要。
從邏輯上講，偉大演奏家的音樂耳朵必須是最高水準的。 據推測，在學生時代，他以優異的成績通過了所有音樂課程。 然後，他還通過聽錄音來發展他的聽力，他稱之為“重定向聽力”，直到他能夠感知他研究過的任何版本的作品甚至他沒有研究過的作品的所有毫米細節。 建議製作高水準、高難度的錄音室錄音，以進一步擴大聽力的可能性範圍。 然後他用耳朵作曲。 我還透過耳朵製作/編輯了完美的分數。 最後我現在可以談談“完美的音高”，我不知道它是否可以稱為絕對音高，或者是否比絕對音高更優越。
所有錄音都是選集版本嗎？ 不幸的是，沒有，現在更是如此，社交網路允許每個人展示影片和錄音。 只有少數人在特定時期獲得了這一普遍獎項的榮譽地位。
同樣，僅僅因為現在透過觀看或聆聽來衡量錄音並不能確定這是否是選集版本，也不能確定唱片公司是否出版選集版本。 那誰來決定呢？ 偉大的音樂家、偉大的表演家、偉大的作曲家。 也就是那些知道的人。
· 6- 學習方法學院。 正確學習作品並乾淨無誤地演奏音符的有效程序。 避免打結、出不來的通道和卡住的技巧，消除粗糙、醜陋和生硬的聲音。
需要考慮的重要面向是：
- 傾向；
- 重複；
- 慢慢學習；
- 快速練習；
- 有重量和無重量；
- 研究動作；
- 固定崗位學習；
- 與高凳一起學習。 槓桿作用;
- 最終長凳的高度；
- 練習尋找「toco」；
- 想想關節、手、手腕、手肘甚至肩膀的解放；
- 在十六分音符的快速段落中學習長短兩點（視情況而定）
- 研究劃分注意力、低音和高音；
- 節拍器；
- 指尖靈敏；
- 清晰度（「靈巧」或靈巧）
- 透過擠壓來學習？ 學緊張？ 你必須出汗嗎？
- 硬鋼琴；
- 樹脂；
- 結和解放的措辭
- 手臂體操； 前臂、三頭肌、二頭肌和肩膀。 身體狀況一般。 音樂會藝術家必須是運動員嗎？
- 跳躍；
- 筆記的重複；
- 無需踏板練習；
- 在人行道上走動或做手勢好嗎？
- 你需要投入多少時間來完成它？ 幾天？
要開始談論這一切，請記住，支配一切的主要意義是能夠互相傾聽。
- 傾向。 動機、學習和進步的願望。 訓練毅力、毅力、耐心、自我完善和耐力，以在鋼琴凳上熱身幾個小時、幾天、幾週、幾個月、幾年…職業。 但這並不代表不能休息，還可以進行補充性的體能活動，如體操、運動（也要動腦、技術好）等，以增強體質、有機體、防禦力和快速恢復。 再加上健康的飲食。
- 毫無疑問，重複是關鍵。 尤其是在技藝層面。 不僅透過機械化，而且透過實驗，直到你了解每個片段及其聯合。 我不知道需要重複多少次，有時是兩次、十次……雖然從邏輯上講，重複是工作，而且是短期、中期和長期的工作，但如果做得好，就會得到回報。
- 慢慢學習很重要。 可以說，它有助於消除惡習，澄清情況。 也分別在不同的手中。
- 快速練習也是必要的。 克勞迪奧·阿勞（Claudio Arrau）在他的傳記書中已經說過，他也以雙倍的速度研究這些作品。 我個人認為你不必那麼極端，但我確實認為要掌握高速你需要非常熟悉它。
- 有重量和無重量。 手臂的重量一直是上世紀末許多偉大鋼琴家所頒布的關鍵。 例如，毛里齊奧·波里尼。 然而，在我看來，我建議練習有重量和無重量的練習，並且不要過多關注技術，而應關注藝術方法，因為音樂應該高於機制。
- 研究動作。 複數的動作是它們的複雜組合，在雙手同時協調的情況下變得非常複雜。 我們從哪裡來，又要去哪裡。 看筆記中的圖畫。 因此，要研究每個段落的動作，然後研究一個段落與另一個段落的結合的動作，因為開始和結束的動作與後續動作不同。
- 在固定位置學習。 如果我們去創作偉大的作品，從古典主義開始，尋找手可以處理盡可能多的音符（琴鍵）的位置，通常是工作的基礎。 因此，術語“固定位置”不僅僅是和弦，而是以某種方式解釋它，手可以輪流發展的鍵盤頻譜。
- 用鋼琴高凳學習。 槓桿。 這通常是一種提供另一種工作方式的資源，具有更多的支撐，並且提供了明顯的輕鬆，因為手指不僅從手腕高處而且從指關節的交叉點更加伸展地敲擊琴鍵。 有點像是把手指想像成柱子=槓桿。
- 最後一張長椅的高度。 理論上，理想的高度是手腕和手與鍵盤垂直的高度。 但凳子的高度也常被用來從不同的角度練習，作為補充，看到不同的公式，從而給出不同的解讀視野。
- 練習尋找「toco」。 透過“演奏”，我們理解鋼琴上特殊聲音的脈動，清晰，同時富有音樂性，介於精緻和精確之間。 換句話說，因為目標是相同的，所以都是以非凡的藝術、崇高或音樂的方式追求精湛技藝。
- 想想關節、手、手腕、手肘甚至肩膀的解放。 與「toco」一樣，透過釋放來放鬆關節，即利用動作的慣性來疏通手部、手腕、肘部甚至肩膀上不斷出現的結和堵塞，成為實現偉大鋼琴和音樂技巧的最終目標的首要任務。
- 在快速的十六分音符段落中學習長點和短點，反之亦然（視情況而定）。 此系統有助於加強長音符（附點十六分音符）的重量，然後長音符變成短音符，加強前一個音符。 所以當這段樂段正常演奏時，所有的音符都已經有時間增加重量了。
- 透過分散注意力來學習，以便能夠在雙手演奏的同時思考低音、中音和高音的聲音。 完成此過程後，再次播放並考慮整體聲音。 該系統在尋找聲音以及加強記憶和對作品的理解方面提供了更多的關注。
- 節拍器。 學習有必要用節拍器嗎？ 有時，當不清楚如何正確保留指南針時，儘管你不必太喜歡它，只是作為補充，提供方向的觀點。 那麼我覺得一個人不應該繼續用節拍器學習是很方便的，因為音樂不應該由尺來指導，而應該由自己的音樂精神來標記。
- 關於指尖的靈敏度，我強調這一明顯的一點，因為透過如此多的演奏和學習，我們似乎忘記了音樂是靈敏度，而正是指尖是我們與樂器物理連接的地方（除了踏板） ，這就是為什麼在精神上產生對手指這些點的更大觸摸的感覺，使我們能夠為不應該純粹機械的東西提供意義。
- 清晰度（「靈巧」或靈巧）。 這是一個模稜兩可的話題，因為對於學生來說，他們應該進行廣泛的關節運動，從而為未來形成一個身體技術基礎，訓練完整的範圍以增加技能可能性的範圍。 但對於專業人士來說，演奏時沒有必要進行大量的發音，因為偉大的音樂家首先會透過大量的發音來闡明哪些段落最能反映作曲家的想法，哪些段落不能（即使沒有任何發音）。
- 透過擠壓來學習？ 學緊張？ 你必須出汗嗎？ 取決於你如何看待它。 在許多鋼琴學校中，這被徹底拒絕，但高水平的鋼琴家也需要時不時地鍛鍊他的肌肉，並理解在高強度和高密度和/或發音的同時也能很好地發揮作用。 這並不意味著他會那樣打球，但這又增強了他的技術。
- 硬鋼琴。 具有硬化鍵盤（甚至具有分級硬化機構）的鋼琴可以進一步加強上述工作。
- 粉狀樹脂，粉碎得很好，用指尖輕輕摩擦，我們認為鍵盤上太滑了，我們可以更好地抓住表面並固定攻擊點，它非常有用，應該始終保留隨身攜帶或帶著它去聽音樂會，而不僅僅是為了學習。
- 結和解放的措詞。 我們經常發現一些短語被卡住，無論我們重複多少次，卡殼都無法解決。 因此，啟動解放樂句，在運動的前一個音符上停下來，感覺有阻塞感，或者感覺很困難，或者不滾動，然後在下一個音符上開始一個新的樂句，將幫助我們解除阻塞。並將問題轉化為自然、放鬆、柔和。
- 手臂體操； 身體狀況一般。 前臂、三頭肌、二頭肌和肩膀。 身體狀況一般。 音樂會藝術家必須是運動員嗎？ 一般來說，鋼琴演奏中涉及的所有肌肉（以及平衡的拮抗肌）都應該處於某種音調，要么專門工作，要么全局工作。 同時靈活性。 例如，建議游泳，因為它幾乎可以鍛鍊整個身體，還可以伸展肌肉，並且還可以很好地控制呼吸。 音樂會表演者必須過有紀律的生活，經過數小時和數天的工作，他的身體必須充分發揮功能，才能從背部積累的努力、肌肉、肌腱、緊張中恢復過來，因此，準備物質支持和均衡飲食將促進連續性、友善的精神狀態和工作意願。 音樂會表演者可以達到運動員在奧運會上表演的水平，甚至更高（毫不誇張）。
- 跳躍。 顯然是指手臂和手腕在鍵盤上的廣泛水平運動，通常快速或非常快，甚至重複。 它們正是鋼琴家的主要活動之一，其中涉及上一節討論的所有內容。 當然，它需要特殊的工作和技術，不僅是身體上的，而且是心理/聽覺/視覺上的，以可視化跳躍並指定運動，通常考慮以自然和音樂的方式找到聲音（關鍵）。 這裡也可以應用各種措詞的使用。
- 筆記的重複。 極快音符的重複（如裝飾音中常見的情況）以及單元格、小節或段落的重複（其中我們發現同一調的重複）、指法都起著至關重要的作用。 手的位置更呈楔形，因此它們是非常具體的動作，需要冷靜、耐心、專注地進行，追求精確、動作和自然以及手的放置。
- 不使用踏板練習作品，作為學習的補充，為我們提供了另一種更清晰的方法。 也可以用單獨的雙手來完成。 同樣，在這方面運用耐心，再加上緩慢和快速的重複，非常適合此類資源。
- 在人行道上走動或做手勢好嗎？ 從理論上講，任何不必要的動作都不適合執行，因為它會幹擾執行並使執行複雜化。 然而，音樂的自然衝動及其表現力與舞台表演的腎上腺素一起有時會導致各種“編排”。 阿圖羅·貝內代蒂·米開朗基利（Arturo Benedetti Michelangeli）是一位幾乎沒有動過手的鋼琴家，這給我們提供了一個參考：一個人無需進行戲劇表演也可以變得偉大。
- 你需要投入多少時間來完成它？ 幾天？ 其中沒有最大值或最小值。 身體可以承受什麼和/或我們能夠發展什麼能力來學習，或在學習中實現更高的效率。 通常花太多的時間在奉獻上通常意味著提高水平。
· 7- 鋼琴技術及其演進。 練習。 精湛技藝。 速度學院。
關於鋼琴技巧的著作可謂墨跡滔天。 當然，這取決於每個時期、風格、樂器和每個特定的作曲家。 從用手靜態的手指按壓到使用身體，發生了很大的演變。 但是，您需要研究哪種技術最有效、最有說服力，並且最適合您正在從事的每個作者或程序。
除了練習快速音階和琶音之外，還可以在同一首作品中難度較高的段落中進行練習。 要么以交替的固定位置工作，要么以更高的強度重複各個部分。 這提供了另一種更有力、更抓握或支撐的方法。
重複進行中的段落，思考特定手指的運動，然後是另一個手指的運動，依此類推，直到您練習完所有手指。
不看分數就重複。 看著鏡子，看著鍵盤，抬頭。
重複逐漸增加強度，無論是肌肉強度或註意力，在一次重複與另一次重複之間不留停頓。 瘋狂地。 然後以同樣的方式柔軟、失重、幾乎無聲。 然後慢一點，快一點。 直到你能夠想像這段經文，使它變得模糊並變得絕對清晰。
- 搜尋支撐點的系統。 在這個學習系統中，並非所有筆記都具有相同的支援。 原則上，如果我們認為它是最重或內部重音的音符，那麼它將是每個小節的第一個音符，因為它標誌著該小節的強拍。 但它也可能是每兩個小節的第一個音符，為此類研究提供更長的措辭。 因此，我們會很好地依靠這些筆記。 理論上，透過至少有一些放置我們的底座（在本例中是鋼琴鍵盤上），在演奏這些片段時增加了更多的穩定性和安全性。
但真正的精湛技藝不是一朝一夕就能達到的。 對專案的連續性和真實參與，以及必須堅持不懈的意識，才是最終實現目標或至少攀登台階的獎勵。
我相信卡爾·車爾尼（Carl Czerny，1791-1857）是第一位創作/出版鋼琴“速度學校”的作曲家。 但可以肯定的是，在他之前，高級作曲家已經熱切地尋求在鍵盤上飛翔的技術展示。 巧合的是，這款樂器的作曲史上最偉大的名字都擁有極高的演奏技巧。
我想強調的是，該技術始終必須旨在避免所謂的「敲擊」鋼琴，不幸的是，這種情況很常見，而且很多人都習慣了（可能是因為這樣彈奏起來更容易）並且更快地實現）。 堅硬而突然的聲音將這個奇妙的樂器變成了一盒鐵匠錘，因此公眾對如何撤銷偉大天才的音樂和藝術作品以及如何通過試圖報廢該樂器將其變成一場戰爭感到困惑。
為了實現和諧的聲音、標誌靈敏度，同時不失去表現力、音樂性和訊息的傳遞，必須使用的技術要更加發達。 因此，需要不斷地培養聲音並為此全力以赴。
· 8- 每門課程或每年建立一個或多個專案有助於實現各種目標：
- 實踐與學習的一致性；
- 根據工作的難度和個人的能力，分析和計算可能結果的日期；
- 改進技術，因為該計劃也被選擇來完善或增加整個職業生涯中較少使用的曲目；
- 不同階段的專案規劃與克服障礙；
要開始對專案進行編程，我們必須先選擇一個程序，這需要時間和奉獻精神，這並不容易。 最合適的事情應該是出於動機和學習的原因，即完成課程並填補工作量較少的領域。 因此，我們的目標是透過深入研究我們想要深入研究的流派、風格和特徵的劇目，達到人們想要掌握但目前卻缺乏的掌握程度。 一旦制定了該計劃，決策就是一個心智化的問題，隨著我們的進步，這種心智化會得到加強。 將我們的思想置於一個大致的時間範圍內，計算和計量能量，是完成這項成就的強大工具。 將計劃分為幾個階段還有助於有效地閱讀和分析分數（獲取或搜尋它們）、吸收新功能的時間、技術
· 9- 每個作曲家都是截然不同的。
以至於每個房間都有專業的口譯員。 不僅是他那個時代的風格，也是特定作者的風格。 我們通常談論被認為是天才的作曲家。
熟悉作曲家、他的作品（研究數量最多、執行程度最高的作品）、他的風格及其歷史地位和影響。
一旦他們完成了受監管的音樂學院研究（其中課程由所有可能的音樂時期的平衡組成），在某個時間，每個樂器演奏家都會發現對一位作曲家和另一位作曲家有更大的親和力。 或根據您的專案和工作範圍，採用一種風格或時期或另一種風格。
因此，熟悉一位作曲家等於長期關注某位作者的眾多作品。 同時，我們能夠在實現他的作品方面取得特殊技能，直至達到高級或專業水平，這使我們成為作曲家專家。 如果留下了明顯的證據，例如電平錄音、音樂會或大師班，則更是如此。
該專業領域的知識淵博的人士對某些作品進行了評價，這一事實證實了每位作者在解釋中所獲得的知識和權威。
音樂學是音樂科學的一個分支，對於了解著名作曲家有很大幫助。 作者的歷史內涵、生命、師從、創作作品、每件作品的創作動機、創作工具、時代美感潮流、朋友圈、影響其他作者關於他的創作。 他在哪裡編輯和出版，他舉辦了哪些音樂會，他有哪些學生，他旅行和搬到了哪裡。
所有這些資訊都是有效的線索，可以用來以符合每個作曲家和每部作品的個性的方式進一步研究和完善細節。
總之，你不會只透過分數來認識他。 所有可能以某種方式影響您的音樂的數據都值得在音樂詮釋中考慮。
· 10- 記憶力和舞台表演是偉大表演者的重要要素。
對於獨奏者來說，保留他將要演奏的音樂至關重要，不僅要內化它，還要從不同的角度吸收它，例如：
- 對於如何開始有一個清晰的方法。 音調、節奏、身心傾向、動作及其協同作用、與樂譜中表達的最初想法相適應的手的位置、和聲反轉。 良好的開端帶來良好的業績；
-使一組具體想法多樣化，以幫助更清楚地專注於作品的不同段落、章節或部分。 有時甚至在一些旋律短語中加入精神抒情詩，雖然並不總是如此，但這可能是一個好技巧；
- 建立在整個工作過程中進行安全加固的抓握點；
-進行實驗或活動來測試對解釋的記憶程度；
- 透過大量的工作，設法將整個分數降低到腦海中的一個點，這樣一來，它不僅是一種精神上的東西，而且是一種感覺，即一個人已經獲得了所述構圖的「照片”，並且現在它僅包含打開該點。
- 樂器演奏家擁有的記憶是心理的（這裡可以包括對樂譜的分析以及在解釋中做出關鍵發現的工作）、聽覺、視覺（樂譜的動作、鍵盤和視覺保留）、感覺和機械（主要是手指、指法、動作和肌肉）。
因此，舞台表演是我們所有記憶、感官、感覺的部署的結果，這進一步提高了注意力、奉獻精神、鬥爭和犧牲，透過興趣、心智、工作和毅力來實現這些目標。最終表演的關鍵時刻。
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